A HISTÓRIA DE SAMUEL GOLDWYN (1923-1959)

“Eu faço meus filmes para me agradar.” Samuel Goldwyn

Samuel Goldwyn nasceu em Varsóvia, Polônia, em 27 de agosto de 1882, e morreu em Beverly Hills, Califórnia, em 31 de janeiro de 1974. Entre essas duas datas, um dos personagens e carreiras verdadeiramente notáveis da tela abrangeu a época em que Hollywood viveu os seus anos dourados.

Goldwyn foi, durante seu reinado como um “exército de um homem só” (como o escritor Loudon Wainwright o descreveu sucintamente), um monarca absoluto e sempre uma boa “pauta” para os colunistas de Hollywood. As anedotas sobre Goldwyn são incontáveis e suas bem narradas mutilações da língua inglesa – Goldwynisms, como passaram a ser conhecidas – há muito tempo foram estabelecidas no folclore cinematográfico. Alguns foram avalizados e autenticados por contemporâneos; outros foram inventados por agentes de publicidade ao longo do caminho, como Pete Smith, Howard Dietz e Jock Lawrence. No entanto, todos eles deram cor a Goldwyn, juntamente com seu status único na indústria como O Chefe (THE Boss). Ele assumiu todos os riscos, tomou todas as decisões, lançou pessoalmente os filmes (para desgosto da Central Casting), em muitos casos dirigiu os diretores, supervisionou toda a publicidade, até disse aos exibidores como dirigir o espetáculo. Cada filme que ele fez, em todos os aspectos, foi seu.

“A maior homenagem a ele é que a frase ‘o toque de Goldwyn’ faz parte do vocabulário de Hollywood”, escreveu Alva Johnston, cronista de Goldwyn nos anos 30: O toque Goldwyn ‘não é brilho ou sensacionalismo. É algo que se manifesta gradualmente em uma imagem; os personagens são consistentes; o acabamento é honesto; não há truques e atalhos; a inteligência do público nunca é insultada.

Goldwyn era um showman por instinto, um produtor com bom gosto e consciência artística e um vendedor por excelência. “Lembre-se Samuel”, ele uma vez se lembrou de ter ouvido quando era menino em Varsóvia, “o bem mais precioso de um homem é sua coragem. Não importa quão negras as coisas pareçam, se você tiver coragem, a escuridão pode ser superada.” Sua coragem de caminhar sozinho no cinema, de produzir filmes que outros simplesmente evitavam, de acreditar firmemente no cinema como entretenimento para a família – esse é o legado que ele deixou para a indústria cinematográfica americana, da qual foi o pai fundador.

Pouco se sabe de sua infância, exceto pelo fato de que seus pais eram Abraham e Hannah Goldfisch; que seu pai morreu quando Sam era bem jovem; e que, antes de ser adolescente, o menino que viria a ser uma lenda, emigrou para a Inglaterra para morar com sua tia, que o ajudou a ser ferreiro em Manchester. Aos treze anos, Samuel Goldfisch cruzou o Atlântico na terceira classe, chegando aos Estados Unidos em 1895 sem nenhum amigo ou parente para recebê-lo. Uma agência que localizava empregos para imigrantes encontrou um para ele em uma fábrica no centro da indústria americana de fabricação de luvas, em Gloversville, Nova York (cerca de sessenta quilômetros a noroeste de Albany). Ele varria o chão lá e realizava outras tarefas servis por três dólares por semana, mas impulsionado pela ambição, ele se tornou um especialista em lapidação de peles aos quinze anos. Menos de dois anos depois, ele se tornou o capataz de cem trabalhadores e, aos dezenove, estava na estrada vendendo luvas.

Sua motivação fez dele um dos melhores vendedores do setor, e sua produtividade permitiu que ele começasse a ditar seus próprios termos e viajasse para a Europa por um ou dois meses todos os anos. Ele havia aprendido inglês (mais ou menos, alguns íntimos e a maioria dos rivais de negócios mais tarde admitiriam) em um ano na escola noturna e, em 1902, tornou-se cidadão americano. Aos vinte e três anos, o jovem Sr. Goldfisch tornou-se sócio da empresa de luvas e, em 1910, ganhava mais de US$ 15.000 por ano, um salário impressionante nos dias anteriores à Primeira Guerra Mundial.

Quase por acidente, ele entrou no ramo do cinema – aos 28 anos, praticamente um retardatário. Uma sobrinha casada do dono da fábrica de luvas onde Samuel Goldfisch trabalhava, apresentou-o a sua cunhada, Blanche Lasky, que, com seu irmão Jesse, tocava duetos no vaudeville. Jesse Lasky agora era um empresário de vaudeville e, por sugestão de seu advogado, Arthur S. Friend, começou a estudar a ideia de fazer filmes. Samuel Goldfish (a essa altura ele alterou ligeiramente a grafia de seu nome) casou-se com Blanche Lasky em 1910 e supostamente já havia considerado deixar a indústria de fabricação de luvas, acreditando que a eleição de Woodrow Wilson para a presidência em 1912 resultaria na redução das tarifas nas luvas, causando um declínio drástico no mercado americano. Seu cunhado Jesse o convenceu a desistir de seu emprego em Gloversville e mergulhar em uma nova e ousada produção de filmes de aventura. Lasky, Goldfish e Friend colocaram US$ 7.500 cada um, tomaram emprestados US$ 11.000 adicionais do banco e, em dezembro de 1913, constituíram a Jesse L. Lasky Feature Play Company. A lenda Goldwyn agora nasceu.

Original Lasky Studio. O celeiro original alugado em 1913 pela Lasky Studio, na esquina da Selma com a Vine.

No escritório da 485 Fifth Avenue, em Manhattan, Jesse Lasky era o presidente, Samuel Goldfish era o tesoureiro e gerente de vendas e Arthur Friend tratava de questões jurídicas. A próxima etapa foi entrar em produção. Apreciando o trabalho que D.W. Griffith estava fazendo para a Biograph Pictures, Lasky convidou o diretor para fazer um longa-metragem para a incipiente Lasky Play Company, mas ficou consternado quando Griffith exigiu US$ 250.000. Em vez disso, Lasky recorreu a um ator/dramaturgo da Broadway com quem, como empresário, havia contratado várias vezes para escrever esquetes de vaudeville. Seu nome era Cecil Blount DeMille. Goldwyn uma vez lembrou “Contratamos DeMille por US$ 100 por semana para dirigir nosso primeiro filme e como ele não sabia nada sobre direção, ele foi a um estúdio em Astoria para ver como era feito. Tínhamos que pagar a Dustin Farnum US$ 250 por semana como o herói do filme, e como isso estava corroendo nosso capital, oferecemos a ele um terceiro terço dos lucros da empresa em vez de um salário. Ele recusou. Esse foi o seu prejuízo. “

Para o primeiro projeto da empresa, Lasky escolheu Squaw Man, um western testado no teatro, escrito por Edwin Milton Royce, e o ator da Broadway Dustin Farnum foi contratado para estrelar. Por ser um faroeste, os sócios decidiram astutamente que The Squaw Man deveria ser filmada no Oeste, em vez de no Bronx. A lenda relata que DeMille e a equipe zarparam para Flagstaff, Arizona, para começar a filmar, mas uma forte tempestade de neve lá os convenceu a embarcar no trem novamente e continuar até o fim da linha – uma espécie de pasto de vacas nos arredores de Los Angeles. A capitalização original da Lasky de US$ 26.000 estava se esgotando rapidamente, e uma repentina demanda de Farnum por US$ 5.000 em dinheiro não conseguiu encorajar os Srs. Lasky, Goldfish e Friend. Para Goldfish, no entanto, o desafio se apresentou, e ele pegou a estrada onde vendeu “states rights” de The Squaw Man para exibidores de filmes veteranos em todo o país, e coletou antecipadamente antes mesmo de DeMille começar a rodar suas câmeras no agora lendário celeiro velho que ele havia alugado na Selma Avenue, em Los Angeles.

Embora o filme tenha sido rodado em momentos diferentes por homens diferentes com câmeras diferentes – até mesmo os furos da roda dentada nos rolos do filme não se encaixavam nas rodas dos projetores convencionais – The Squaw Man foi resgatado por Sig Lubin, um editor veterano, e emergiu como um grande sucesso, revolucionando instantaneamente a indústria e colocando a própria Hollywood no mapa. O filme, que custou US$ 47.000 para ser feito, foi lançado em fevereiro de 1914, e arrecadou … US$ 244.000, garantindo o futuro da Lasky Feature Play Company.

“Nosso próximo filme foi Brewster’s Millions”, disse Goldwyn: Jesse e eu vimos tanto enquanto estava sendo feito que, quando acabou, nenhum de nós conseguiu esboçar um sorriso. Quando o mostramos aos exibidores no Carnegie Lyceum em Nova York, ficamos tão nervosos que demos a volta no quarteirão até quase acabar. Então voltamos e descobrimos que tínhamos um segundo sucesso em nossas mãos.

Goldfish não se contentava em ser apenas um vendedor de filmes e logo passou a ter um interesse mais ativo na localização e promoção de projetos, bem como na contratação dos atores, enquanto o próprio Lasky perseguia seus antigos interesses de vaudeville. Durante esse período, o único concorrente sério da Lasky Company no negócio, que já era um gigante no comércio americano, era Adolph Zukor’s, Famous Players Film Company. Uma fusão entre os dois líderes da indústria foi efetuada em 1916, criando uma combinação que viria a se tornar a Paramount Pictures (a corporação que na época distribuía as produções da Famous Players e os filmes de Lasky e outros). Na nova configuração, Zukor foi empossado como presidente, Lasky o vice-presidente, o presidente do conselho foi para Goldfish e o diretor geral Cecil B. DeMille.

Alguns dos grandes produtores pioneiros do cinema americano, celebrando a criação da Famous Players-Lasky em 1916. Da esquerda para a direita: Jesse L. Lasky, Adolph Zukor, Samuel Goldfish (mais tarde Goldwyn), Cecil B. DeMille e Albert Kaufman.

O historiador de cinema Herbert Luft escreveu: “Goldfish se tornou um empresário cinematográfico tão enérgico que a Famous Players-Lasky Corporation existia há apenas três meses quando Zukor disse a Lasky que não havia espaço na mesma corporação para Goldfish e ele mesmo (Lasky). ” Os dois concordaram em comprar as ações da Goldfish na empresa por US$ 900 mil. (A ação, foi notada, não apenas amargurou Goldwyn e afetou seu casamento, mas também causou uma rixa entre ele e Lasky que durou quarenta anos. A união com Blanche terminou em 1919. Eles tiveram uma filha, Ruth, que mais tarde casou-se com McClure Capps, um diretor de arte que frequentemente trabalhava em filmes de Goldwyn na década de 1940. Blanche Lasky se casou posteriormente com Hector Turnbull, um escritor/diretor de filmes mudos, descoberto por seu irmão. Ela morreu de pneumonia em 1932).

A indenização de US$ 900.000 foi bem utilizada por Samuel Goldfish. Com isso, formou a Goldwyn Pictures Corporation com quatro sócios: os produtores da Broadway Edgar e Archibald Selwyn; A esposa de Edgar, a dramaturga Margaret Mayo; e o empresário Arthur Hopkins. O nome da nova empresa, formada em dezembro de 1916, combinava a primeira sílaba de Goldfish e a última sílaba de Selwyn. Dois anos depois, Samuel Goldfish mudou legalmente seu próprio sobrenome para Goldwyn.

Quase da noite para o dia, a Goldwyn Pictures tornou-se um rival formidável para a Famous Players-Lasky, com uma lista de atores ilustres como Maxine Elliot, Geraldine Farrar, Mary Garden e outros (fazendo com que os críticos de Hollywood da época se referissem a Goldwyn’s como o “lar das velhinhas”). A produção inicial da empresa foi uma cinematização da comédia da Broadway de Margaret Mayo, Polly of the Circus, estrelando o filme Mae Marsh. Em seguida vieram Baby Mine com Madge Kennedy, Fighting Odds com Maxine Elliot e uma versão elaborada de Thais com Mary Garden. À medida que o prestígio da Goldwyn Pictures crescia, seus ativos diminuíam, para aborrecimento financeiro dos DuPonts e do Chase National Bank, dois dos mais proeminentes financiadores da empresa. Goldwyn, ao que parece, estava se concentrando nas estrelas. Mary Garden, por exemplo, havia sido contratada por US$ 15.000 semanais (ela foi um dos primeiros esforços de Goldwyn em trazer cultura para a tela), mas o público aparentemente ficou confuso, pensando que estavam pagando para ver Mary Gardener, uma heroína dos curtas da época dos Nickelodeon.

Em 1918, o próprio Goldwyn estava em apuros. A guerra reduziu a freqüência ao cinema e Goldwyn investiu grandes somas nas estrelas erradas. O governo cortou o uso comercial de eletricidade para economizar carvão, tornando impraticável filmar em Fort Lee, New Jersey, local dos Goldwyn Studios, então a empresa transferiu suas operações para o Thomas Ince’s Triangle Studios, em Culver City, Califórnia, onde acabou saindo vários outros filmes malsucedidos – The Turn of the Wheel com Geraldine Farrar; Jubilo, um dos primeiros filmes de Will Rogers; The Penalty com Lon Chaney, entre outros.

Estrelas famosas são fotografadas com Samuel Goldwyn em 1919 em seu novo estúdio em Culver City. À esquerda, Sam Goldwyn, à esquerda, é mostrado com Mabel Normand e Charlie Chaplin.

Em junho de 1919, Goldwyn anunciou a formação, dentro da Goldwyn Pictures, de uma unidade separada, a Eminent Authors Pictures, Inc. Para tentar alcançar um lugar dominante na indústria cinematográfica contratando uma série de atores caros, isso foi feito com frequência nos primeiros dias do cinema, era uma forma de amarrar capital de uma maneira perigosa. Ciente desse truísmo, Goldwyn tentou um experimento, com a intenção de colocar o valor da história acima de todos os outros elementos da produção de filmes. Ele contratou um grupo de roteiristas proeminentes, incluindo Rex Beach, Rupert Hughes, Mary Roberts Rinehart, Gouverneur Morris, Gertrude Atherton, Basil King, Leroy Scott e outros. Alguns foram trazidos apenas para disponibilizar seu trabalho para filmagem, enquanto outros deveriam adaptar histórias existentes e escrever novas diretamente para a tela. Já operando sob a teoria de que o custo não deveria ser uma barreira na busca do melhor, Goldwyn colocou na folha de pagamento com um salário semanal de cinco dígitos o eminente poeta belga Maurice Maeterlinck, que veio para Hollywood falando e não escrevendo inglês.

Goldwyn deu a ele um conjunto de escritórios e o contratou para escrever um roteiro para Life of a Bee. Foi relatado que ficou pasmo após ler o esboço de Maeterlinck e saiu correndo de seu escritório gritando: “Meu Deus, o herói é uma abelha!” Nenhum dos trabalhos de Maeterlinck para Goldwyn foi filmado e, ao sair, ele supostamente recebeu um tapinha no ombro de Goldwyn, junto com as palavras encorajadoras: “Não se preocupe, Maurice, você ainda vai se sair bem”. Embora o plano da Eminent Authors Pictures não tenha funcionado para a satisfação total de Goldwyn (em apenas um caso foi verdadeiramente bem-sucedido naqueles primeiros dias, Rupert Hughes, The Old Nest foi um dos poucos sucessos de bilheteria da Goldwyn Pictures), a teoria nunca foi abandonada, e Goldwyn continuou a contratar os melhores roteiristas que, literalmente, o dinheiro poderia comprar.

Outro empreendimento ousado para a Goldwyn Pictures foi a importação de filmes estrangeiros, incluindo o clássico alemão, The Cabinet of Dr. Caligari, e Theodora, de produção italiana, ambos exibidos pela primeira vez neste país em 1921. No entanto, dentro de um ano, a Goldwyn Pictures, Inc. estava falida, e um completamente desencantado Edgar Selwyn disse a Goldwyn “Sam, você não apenas nos quebrou, mas levou metade do nosso bom nome também.” Herbert G. Luft escreveu na Films in Review: “À medida que a sorte da Goldwyn Pictures Corp. declinava, um ex-vigarista e promotor fantástico chamado Frank Joseph Godsol ganhou crescente ascendência nela.” Sob o conselho de Godsol, a empresa empreendeu projetos como Greed, de Erich von Stroheim, e o espetáculo bíblico Ben-Hur. Ambos se tornaram propriedades da Metro-Goldwyn-Mayer sob Irving Thalberg em poucos meses.

O próprio Goldwyn perdeu o controle acionário da Goldwyn Pictures Corporation em 1922 e foi obrigado a tirar férias forçadas, passando o tempo escrevendo sua autobiografia, Behind the Screen. Dizem que amigos lhe perguntaram: “Quem vai traduzir para você?” A Goldwyn Pictures, entretanto, fez uma fusão com a Metro Pictures (formada em 1915 e adquirida cinco anos depois pela Loew’s, Inc., a empresa distribuidora). Logo após a incorporação da Metro-Goldwyn, Marcus Loew e Nicholas M. Schenck, da hierarquia da Loew’s, Inc., completaram a expansão da nova corporação trazendo a Louis B. Mayer Productions (formada em 1918) para o grupo. Samuel Goldwyn então lutou sem sucesso para ter a empresa resultante conhecida como Metro-Goldwyn-Mayer e Goldwyn, rejeitado, deixou a nova organização sem ter realmente trabalhado para ela. Ele retirou-se, porém, com um acordo financeiro substancial, mas a própria MGM havia esquecido o fato de que Goldwyn não tinha vendido à empresa seu direito pessoal de usar o nome Goldwyn, e uma longa batalha judicial começou quando a MGM soube que o produtor estava em processo de formação da Samuel Goldwyn, Inc., com Goldwyn possuindo cem por cento das ações. A MGM protestou que não poderia haver dois estúdios com o nome Goldwyn. A decisão histórica em 18 de outubro de 1923 permitiu que Goldwyn fizesse filmes com seu próprio nome, usando primeiro a frase “Samuel Goldwyn Presents”.

Embora a Metro-Goldwyn-Mayer não tenha sido oficialmente incorporada até 17 de abril de 1924, Goldwyn estava no negócio como independente há quase um ano. Samuel Goldwyn, Inc., foi formalizado em 1924, e um espaço foi alugado no agora famoso endereço de Hollywood: 1041 North Formosa Avenue, Los Angeles (ainda a casa de Samuel Goldwyn Productions, Inc.). Na nova operação de Goldwyn, não havia sócios, diretores ou ações em circulação. Convencido de que nunca se daria bem com sócios ou conselhos de administração, Goldwyn simplesmente manteve 100% do controle, dividindo o poder apenas com a ex-atriz Frances Howard, que se tornara a segunda Sra. Samuel Goldwyn em uma cerimônia na Prefeitura de Jersey City, New York, em 23 de abril de 1925. Ela abandonou a carreira para ser apenas sua esposa e confidente de negócios por toda a vida. Um dos incontáveis ​​Goldwynisms se encaixa perfeitamente em sua decisão de seguir sozinho: “Nesse negócio, é cachorro come cachorro, e ninguém vai me comer.” Menos jocosa foi sua explicação dada à imprensa: “Achei que demorou muito tempo para explicar meus planos aos associados. Agora posso economizar todo esse tempo e energia e aplicá-los para fazer filmes melhores.”

Samuel Goldwyn na primavera de 1925 com suas duas novas descobertas: Frances Howard, com quem ele se casaria mais tarde, e Vilma Banky, a quem ele transformaria em uma estrela.

Na visão do biógrafo de Goldwyn, Alva Johnston: “Samuel Goldwyn não podia ter autoridade igual ou superior. Um dos maiores autocratas de Hollywood, mas um glutão por sugestões, ele não compartilhava o poder ou a glória, preferindo dar dinheiro ou presentes luxuosos a participar da fama de Goldwyn”.

No casamento de Samuel Goldwyn, seu antigo parceiro, Edgar Selwyn, foi o padrinho. Selwyn, foi dito, jurou segredo sobre as núpcias. “Sem publicidade” foi a ordem de Goldwyn, que se preocupava com a publicidade. Curiosamente, multidões de jornalistas e fotógrafos compareceram à cerimônia. “Achei que você não queria publicidade”, Selwyn teria perguntado mais tarde ao amigo. “Posso controlar a imprensa?” Goldwyn respondeu. Samuel e Frances Goldwyn tiveram um filho: Samuel Goldwyn Jr., nascido no ano seguinte. Ele também se tornou produtor de cinema.

Samuel Goldwyn e sua esposa, Frances Goldwyn.

Os filmes iniciais com a legenda “Samuel Goldwyn Presents” foram distribuídos pela Associated First National Pictures, que anos mais tarde evoluiria para a Warner Bros. Pictures sob o agora famoso escudo da WB. Nessa primeira leva de Goldwyn estavam os pródigos dramas românticos que se tornariam a marca registrada do produtor, junto com suas três farsas “Potash e Perlmutter”. A primeira produção de Goldwyn, The Eternal City, um espetáculo filmado em Roma, demonstrou para a indústria o que poderia ser esperado com regularidade de seu empresário independente. Incluídos no filme, junto com as estrelas convencionais, estavam nada menos que Benito Mussolini e o Rei Victor Emanuel! As primeiras aparições na tela do maior astro de Goldwyn, Ronald Colman, também estiveram entre os longas da Associated First National, assim como The Dark Angel, onde Goldwyn apresentou aos filmes americanos Vilma Banky, sua atriz principal do cinema mudo.

Em 1926, Goldwyn foi convidado a se tornar um dos proprietários/sócios da United Artists, uma cooperativa que havia sido formada por Mary Pickford, Douglas Fairbanks e Charles Chaplin para distribuir suas produções independentes, juntamente com as de Joseph M. Schenck, D.W. Griffith, Hal Roach, Gloria Swanson e outros. Pelos quinze anos seguintes, todos os filmes de Goldwyn foram lançados através da UA, embora o produtor logo decidisse que ele e mais tarde o membro Alexander Korda, o famoso empresário do cinema britânico, estavam produzindo a maior parte dos produtos da United Artists, enquanto o outro, menos os membros ativos da cooperativa simplesmente estavam coletando suas porcentagens de toda a produção da organização. Goldwyn finalmente começou a tentar tornar a situação mais justa em 1935, tentando adquirir a United Artists para si mesmo. Ele pagou US$ 250.000 pela participação detida conjuntamente por Schenck e Darryl F. Zanuck, e se tornou o único proprietário das unidades físicas, como equipamentos, guarda-roupa etc., da UA. Pickford, Fairbanks e Chaplin, segundo a história, eram donos do imóvel, enquanto Goldwyn adquiriu tudo referente a ele.

Estrelas e parceiros da United Artists em 1931. Da esquerda para a direita, Al Jolson, Mary Pickford, Ronald Colman, Gloria Swanson, Douglas Fairbanks, Joseph Schenck, Charlie Chaplin, Sam Goldwyn e Eddie Cantor.

Três anos depois, ele instalou James Roosevelt, o filho mais velho de FDR, como vice-presidente da Samuel Goldwyn, Inc., e logo depois disso, começou a sério sua campanha para comprar as ações restantes da United Artists. Parte de sua estratégia era fazer com que suas operadoras de telefone atendessem às chamadas respondendo “Samuel Goldwyn Studios”, em vez de “United Artists”, como faziam por treze anos. Ele então ordenou que sua equipe jurídica movesse uma ação judicial pedindo que ele fosse libertado de sua sociedade ou tivesse permissão para comprar o controle da empresa dos outros membros. Já que ele e Korda, Goldwyn sentiu, eram os únicos membros ativos, eles deveriam ter a oportunidade de comprar os três quintos que não possuíam – e ofereceram seis milhões de dólares se Pickford, Fairbanks e Chaplin desocupassem o local. O processo de quebra de contrato de Goldwyn contra a UA arrastou-se por três anos e, em fevereiro de 1941, foi acertado um acordo pelo qual Goldwyn seria, para parafrasear outro Goldwynismo, “incluído”. A United Artists comprou as ações da Goldwyn por US$ 300.000, o que o produtor alegou ser uma perda pessoal de quase cinquenta por cento.

Vários meses depois, ele assinou um contrato de longo prazo pelos direitos de lançamento de seus filmes com a RKO, o menos estável de todos os grandes estúdios e cuja rotatividade de chefes de produção de estúdios fez de sua carreira um dos pontos de interrogação da indústria. Durante a década de 1940, apenas os filmes independentes RKO lançados por Goldwyn e Walt Disney – os dois mais ferrenhos defensores do entretenimento familiar em Hollywood – garantiam uma qualidade consistente de produtos que ostentavam o logotipo do estúdio. “Desde o momento em que se tornou um produtor independente”, escreveu o The New York Times: Goldwyn era conhecido pela reverência com que mantinha o talento criativo. Ele mimava os atores, escritores e diretores, mas quando sentiu que não estavam produzindo o que esperava deles, mudou de tática e lançou invectivas contra eles. “Vou usar cinquenta por cento de eficiência”, explicou certa vez, “para obter 100 por cento de lealdade.”

Tendo reunido a nata do talento disponível – e alguns que não estavam prontamente disponíveis, o Sr. Goldwyn dominaria seu trabalho e suas vidas como um tirano benigno, elogiando-os, incitando-os, encorajando-os, intimidando-os, enquanto supervisionava pessoalmente até mesmo os menores detalhes de cada uma de suas produções – cada uma feita à mão, ao que parece, enquanto o resto da indústria operava em uma base de linha de montagem. Ele guardou sua reputação de imagens de qualidade com tanto zelo que não pararia sem nenhum custo para fazer melhorias. Ele descartou a primeira versão de Nana em 1934, por exemplo, depois de ter sido dois terços concluída porque ele se encaixava no diretor original, George Fitzmaurice, não havia captado as qualidades que ele (Goldwyn) tinha visto na adorável Anna Sten e para que ele já havia pago milhões para promover. O custo, neste caso, foi de meros US$ 411.000 do bolso. E em 1947, ele interrompeu a produção de The Bishop’s Wife depois de ter gasto perto de um milhão de dólares, simplesmente porque ele estava insatisfeito com a forma como o filme estava saindo. Depois de trocar de diretores, Goldwyn começou novamente.

E em outro caso, Goldwyn se opôs a uma única palavra em uma cena particular em uma dos filmes que estava exibindo antes do lançamento final. Ele então gastou US$ 20.000 para refazer a sequência, recriando cenários destruídos e pagando atores cujos contratos haviam expirado simplesmente para voltar para alguns minutos de filmagem. Embora sua busca pela excelência enfurecesse continuamente seus comandados, técnicos e atores, Goldwyn decretou que cada um de seus filmes fosse dotado de um brilho de qualidade e bom gosto, duas das muitas marcas que se tornaram sinônimo do termo o “toque de Goldwyn”.

Durante seus anos de preeminência, Goldwyn se tornou seu melhor porta-voz e foi um dos mais visíveis de todos os magnatas de Hollywood como, virtualmente, a voz da indústria. Sua assinatura aparecia com frequência na The New York Times Magazine, no The Saturday Evening Post, no Reader’s Digest e em outras publicações nacionais, expondo suas filosofias e discutindo a cena do cinema contemporâneo.

Em 1929, ele deu sua bênção oficial aos filmes cinematográficos: Eu acredito no futuro dos filmes falados porque o dia do diretor acabou e o do autor e do dramaturgo chegou … O futuro dos filmes falados de sucesso estará na capacidade do produtor de fazer um filme com diálogo, em vez do assim chamado filme falado, no qual as falas são muito importantes. A combinação de ambos, em que a técnica do cinema puro é muito importante, formará as grandes imagens sonoras que se aproximam.

Ele defendeu as reformas dos roteiristas (em 1935): Atualmente, Hollywood é apenas um lugar de parada para bons roteiristas. Eles vêm trabalhar por dez semanas entre períodos de escrita de suas próprias peças e histórias. Eles não percebem as possibilidades da tela … O que Hollywood deve fazer é mostrar aos roteiristas que eles podem fazer tanto com um bom filme quanto com uma peça de sucesso. Isso só pode ser feito deixando o roteirista participar dos lucros, obtendo royalties.

Durante este período, Goldwyn se esforçou ativamente para reviver seu antigo conceito de Autores Eminentes, com uma lista de roteiristas de ponta que incluía Dorothy Parker e Alan Campbell, Lillian Hellman, Donald Ogden Stewart, Sidney Howard, Anita Loos, Dudley Nichols, Robert E. Sherwood, Ben Hecht e Charles MacArthur, Moss Hart, Edna Ferber, Sam e Bella Spewack e Louis Bromfield (a quem Goldwyn supostamente prometeu tornar o nome “Bloomfield” famoso em todo o mundo após dois ou três filmes). Goldwyn estranhamente inaugurou o seu próprio plano de participação nos lucros em 1938 para seu pessoal de criação de classe superior, observando: A realização de bons filmes é um esforço tão pessoal que sinto que filmes melhores podem ser alcançados fazendo com que meus colegas de trabalho sintam e tenham real interesse nos resultados de meu trabalho. Os Filmes.

Durante os anos de guerra, Goldwyn iniciou a batalha contra as “práticas monopolistas” na exibição de filmes, exigindo, sem sucesso, que os cinemas ou circuitos lhe pagassem uma porcentagem dos lucros brutos de seu filme. Em 1945, Goldwyn formou uma nova produtora, com ele mesmo como presidente do conselho da Samuel Goldwyn Productions, Inc., e seu assistente de longa data, James A. Mulvey, como presidente. Os funcionários teriam permissão para possuir metade das ações, embora essas ofertas não fossem estendidas a estrelas, roteiristas ou diretores. Um dos primeiros a receber ações de Goldwyn foi Gregg Toland, o diretor de fotografia do produtor. “Nossos acionistas”, disse Goldwyn na época, serão formados por executivos, talentos criativos, técnicos e especialistas administrativos – e mais ninguém. Sem seus talentos combinados, trabalhando juntos para um propósito comum, propriedade significa pouco.

Acordo internacional no mundo do cinema entre Samuel Goldwyn, Ingrid Bergman e Roberto Rossellini para iniciar a produção de um filme na Itália e outro em Hollywood. Atrás está outro produtor.

Goldwyn parou de fazer filmes em 1959 e começou a alugar seu estúdio para produções independentes de cinema e televisão. “Ele não gostou muito do produto que emanava de lá e de outras partes de Hollywood, por acreditar que os filmes e a TV haviam se tornado uma porcaria”, escreveu o New York Times em seu obituário. E a Variety observou:

Ele era um homem orgulhoso e teimoso, e no que dizia respeito a roupas, desordenadamente vaidoso. Alto, magro e ereto como um soldado profissional, ele tinha suas roupas ajustadas precisamente à linha de seu corpo. Com medo de estragar a roupa, ele carregava nada – chaves, lápis, etc. – nos bolsos, a não ser um lenço. Quando jantavam fora ou viajavam, a Sra. Goldwyn sempre ia preparada com algum dinheiro para dar gorjeta.

Perto do fim de sua vida, Goldwyn foi visto cada vez menos e tornou-se inválido por uma série de derrames em 1969. Entre as últimas honras públicas prestadas a ele, durante uma visita presidencial à mansão Goldwyn em Beverly Hills em março de 1971, estava o entrega da Medalha da Liberdade, o maior prêmio deste país a um civil.

O presidente Nixon entregou a Medalha da Liberdade a Samuel Goldwyn, na casa de Goldwyn em Beverly Hills, CA.

Os incontáveis ​​contos de Goldwyn, o autocrata, tornaram sua espantosa seqüência de filmes ainda mais incrível. Um de seus chefes de publicidade disse o seguinte sobre seu chefe: “Ele vai enfeitiçar você e, enquanto você estiver descalço, pisará em seus pés.” As lendárias batalhas que Goldwyn travou, dentro e fora do set, com seus diretores e estrelas foram bem narradas, e foi dito que poucos deixaram seu emprego amigavelmente. Enquanto outras partidas exigiam um aperto de mão, para Goldwyn foi um aperto de mão. Freqüentemente, os relacionamentos nunca foram tão longe. O diretor George Cukor, por exemplo, recusou-se a permitir que Louis B. Mayer o deixasse trabalhar para Goldwyn a qualquer preço, e tão exasperado estava o produtor que ele supostamente criou este Goldwynismo clássico para descrever seus sentimentos: “É assim com esses diretores – sempre mordendo a mão que pôs o ovo de ouro. “E uma vez ele repreendeu William Wyler por transformar uma cena noturna em uma tomada diurna:” Ninguém pode transformar a noite em dia, ou vice-versa, sem me perguntar primeiro. ‘

Goldwyn, o produtor, se deleitou com o brilho da publicidade, mas deixou seu trabalho no escritório. Longe do estúdio, ele poderia se passar por um fazendeiro – marido amoroso, pai e avô cuja vida familiar era sagrada – um homem que mantinha relações íntimas com presidentes e primeiros-ministros – um filantropo cujas doações anuais de US$ 100.000, por exemplo, fez parte dos generosos presentes distribuídos regularmente por meio da Fundação Goldwyn.

Samuel Goldwyn, de volta ao trabalho após uma ausência de seis meses por doença. Aqui está ele com as estrelas Merle Oberon e David Niven, discutindo partes do roteiro.

Foi na arena do cinema, entretanto, onde ele prosperou como um mestre, um showman com seu talento único para a publicidade e sua determinação pessoal pela excelência. Ele deixou para o cinema americano um legado incomparável de oitenta filmes, cada um com seu toque distinto. É esse trabalho que será apresentado nesta postagem – clássicos da tela repletos de momentos cinematográficos memoráveis ​​- Gary Cooper se despedindo de seus fãs em The Pride of the Yankees; Mary Astor resistindo à espetacular tempestade em The Hurricane; Ronald Colman acendendo o cigarro de Helen Hayes em Arrowsmith; Cary Grant e Loretta Young na seqüência de patinação no gelo em The Bishop’s Wife; Humphrey Bogart sendo rejeitado por Marjorie Main, sua mãe em Dead End; Dana Andrews revivendo experiências de guerra em The Best Years of Our Lives; Bette Davis assistindo friamente Herbert Marshall morrer em The Little Foxes; Vilma Banky estranhamente lançando panquecas em Childs in This Is Heaven; Danny Kaye brincando no atemporal número do saguão em Up in Arms; Barbara Stanwyck em pé na chuva no casamento de sua filha em Stella Dallas; Joel McCrea e Miriam Hopkins se envolvendo em uma briga de namorados em um galho de árvore em Woman Chases Man; Encontros pastorais de Laurence Olivier com Merle Oberon em Wuthering Heights; Fredric March se juntando a Anna Sten na jornada para a Sibéria em We Live Again.

E as estrelas cujas carreiras na tela Goldwyn fez ou avançou quase superam o catálogo de falas engraçadas atribuídas a ele ou faladas sobre ele – personalidades inesquecíveis que iluminaram a tela por mais de quarenta anos: Ronald Colman, Vilma Banky, Anna Sten, Eddie Cantor do primeiros dias; Miriam Hopkins, Joel McCrea, Merle Oberon e Gary Cooper (cujo potencial Goldwyn havia subestimado muito originalmente); David Niven, Teresa Wright, Dana Andrews, Danny Kaye, Virginia Mayo e Farley Granger durante os anos 1940.

Samuel Goldwyn Studios, foto de 1948.

Goldwyn, o descobridor de talentos, foi um fator importante nas carreiras cinematográficas de outros astros proeminentes como Robert Montgomery, cujo teste de tela caiu nas mãos da MGM; Virginia Bruce e Laraine Day, cujo primeiro trabalho no cinema foi nos filmes de Goldwyn; Betty Grable, Lucille Ball e Paulette Goddard, entre outras, que começaram seus dias nas telas como Goldwyn Girls. E foi Goldwyn quem fez de Laurence Olivier um ídolo da matinê, reintroduzindo-o na produção cinematográfica de Hollywood, com a qual ele (Olivier) havia azedado a ponto de quase abandonar os filmes de vez.

Houve, é claro, as gafes de Goldwyn, além de Vilma Banky, cuja incapacidade de dominar a língua inglesa prejudicou sua carreira quando o som chegou aos filmes; Anna Sten, o erro multimilionário (e ainda inexplicável) que Goldwyn certa vez chamou de “colossal em um pequeno sentido”, e Sigrid Gurie, a descoberta norueguesa bem divulgada de Goldwyn no Brooklyn. Ele disse ter recusado Clark Gable porque as orelhas do jovem ator eram muito grandes e ele passou por cima de Greta Garbo porque ela não tinha potencial na tela. Seu julgamento, equilibrado, seu olho aguçado para o talento e, como disse um crítico, “seu senso instintivo de correção superior” ajudaram a reconfirmar a lenda de Goldwyn que confirmou os truísmos do lendário “Grande Sonho Americano”.

E através da criação em 1955 do prêmio anual Goldwyn Creative Writing na UCLA, ele tem tornado esse sonho possível para outros. Como observou a Variety, quase 100% dos vencedores do prêmio – entre eles, Francis Ford Coppola – seguiram carreiras profissionais de roteiristas como romancistas, dramaturgos e cenaristas de cinema e televisão.

“Reitor dos produtores independentes”, escreveu a Variety sobre Goldwyn quando ele morreu: e o único verdadeiro indie, ele começou a lutar contra os grandes no momento em que eles dominavam a indústria. Que ele teve sucesso na competição acirrada que existia em um grau ainda maior nos dias anteriores ao divórcio (antes que as empresas cinematográficas fossem forçadas pelos tribunais, em 1948, a se desfazerem de seus braços de distribuição) e emergiu como uma personalidade dominante entre os gigantes que comandavam uma vasta produção, ele atribuiu a um fator: ter enfrentado seus concorrentes com uma longa série de filmes de qualidade superior.

A própria indústria reconheceu isso com sua apresentação a Goldwyn em 1946 do Prêmio Irving G. Thalberg Memorial, e em 1957 do Prêmio Humanitário Jean Hersholt. Goldwyn foi o primeiro dos grandes independentes no cinema. Quando ele morreu, foram os produtores independentes que tiveram o futuro de Hollywood em suas mãos. Quanto à carreira de Goldwyn, suas próprias palavras fornecem o melhor resumo: eu era um rebelde, um lobo solitário. Meus filmes eram meus. Eu mesmo os financiava e respondia apenas a mim mesmo. Meus erros e acertos foram meus. Minha regra era agradar a mim mesmo e, se o fizesse, havia uma boa chance de agradar aos outros.

PORGY & BESS (Porgy and Bess, 1959 – USA)
Data de Lançamento: 24 de junho de 1959

SINOPSE: Passada em uma vila de pescadores Negros na Carolina do Sul em 1912, a história é sobre Bess, que quer se livrar de seu amante Crown após ele ser acusado de assassinato. O único disposto a oferecer a ela abrigo é o aleijado Porgy. O relacionamento entre os dois é ameaçado pela desaprovação da comunidade local.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Otto Preminger, Rouben Mamoulian (uncredited)
ROTEIRO: Dorothy Heyward (play “Porgy”), DuBose Heyward, N. Richard Nash (screenplay)
GÊNERO: Drama, Musical, Romance
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 2h 18min
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ELENCO PRINCIPAL:
Sidney Poitier … Porgy
Dorothy Dandridge … Bess
Sammy Davis Jr. … Sportin’ Life
Pearl Bailey … Maria
Brock Peters … Crown
Leslie Scott … Jake
Diahann Carroll … Clara
Ruth Attaway … Serena Robbins
Claude Akins … Detective
Clarence Muse … Peter


ELES E ELAS  (Guys and Dolls, 1955 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 3 de Novembro de 1955

SINOPSE: Comédia musical ambientada no submundo de Nova York, entre pequenos furtos e jogadores profissionais. Marlon Brando é o jogador Sky Masterson e Jean Simmons, uma voluntária do Exército da Salvação. Frank Sinatra completa o trio como o banqueiro Nathan. A história começa quando Brando é desafiado a levar a missionária Simmons para Havana. A aposta funciona até que eles se apaixonam. Oportunidade de se ver e ouvir Marlon Brando cantando ”Luck Be A Lady”, enquanto Sinatra entoa ”Guys And Dolls” e ”Adelaide”.

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SOBRE O FILME: “Eles e Elas” é mais uma deliciosa comédia musical dos anos de ouro de Hollywood.  Baseado numa peça homônima da Broadway, escrita por Abe Burrows e Jo Swerling, o roteiro foi muito bem construído por Joseph L. Mankiewicz, responsável também por sua direção.

Mankiewicz realiza um ótimo trabalho, ao imprimir um ritmo vibrante à trama.  Os números musicais são uma das melhores partes do filme, bem coreografados e com um repertório de belas canções.  Dentre eles, destacam-se os que se passam em Havana.

A fotografia de Harry Stradling Sr. proporciona um brilho ainda maior a essa produção, marcada por grandes momentos.  Jean Simmons e Marlon Brando estão magníficos em seus respectivos papéis, demonstrando uma grande química entre eles.  Só por uma das seqüências rodadas em Havana, Simmons merecia uma indicação ao Oscar de Melhor Atriz.  Devem ainda ser destacadas as atuações de Vivian Blaine e Frank Sinatra, principalmente deste último, no papel do promotor de jogos de dados, Nathan Detroit.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Joseph L. Mankiewicz
ROTEIRO: Jo Swerling, Abe Burrows (based upon the play: “Guys and Dolls” book by), Damon Runyon (from a story)
GÊNERO: Comédia, Crime, Musical
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 2h 30min
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ELENCO PRINCIPAL:
Marlon Brando … Sky Masterson
Jean Simmons … Sarah Brown
Frank Sinatra … Nathan Detroit
Vivian Blaine … Miss Adelaide
Robert Keith … Lt. Brannigan
Stubby Kaye … Nicely-Nicely Johnson
B.S. Pully … Big Jule
Johnny Silver … Benny Southstreet
Sheldon Leonard … Harry the Horse
Danny Dayton … Rusty Charlie


HANS CHRISTIAN ANDERSEN  (Hans Christian Andersen, 1952 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 25 de novembro de 1952

SINOPSE: Misto de musical e drama familiar (bastante suave e endereçado ao público infantil) que descreve aquilo que supostamente foi a vida do escritor Hans Christian Andersen. O autor dinamarquês celebrizou-se por seus contos de fada, todos clássicos: : ”O Patinho Feio”, ”Os Sapatinhos Vermelhos”, ”O Soldadinho de Chumbo”, ”A Pequena Sereia”. Aqui, entre muitas outras, o filme mostra uma sequência musical que tem como tema ”A Pequena Sereia”, outro famoso conto de Andersen.

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SOBRE O FILME: Musical infantil indicado a 6 estatuetas no Oscar: melhor fotografia em cores, melhor direção de arte em cores, melhor figurino em cores, melhor trilha sonora, melhor canção original e melhor som; no Globo de Ouro, mais 2 nomeações: melhor filme de comédia ou musical e melhor ator de comédia ou musical, Danny Kaye (1911-1987).

É uma história fictícia e romântica que gira em torno da vida do famoso poeta e contador de histórias dinamarquês Hans Christian Andersen (1805-1875). O filme foi um sucesso internacional da época. Não é um filme biográfico e é apresentado como um conto de fadas sobre o escritor. A maior parte da história é contada através de músicas e danças, e inclui os mais famosos contos de Andersen. O filme é legal e divertido principalmente para as crianças…, tem um ator carismático como Danny Kaye…, as sequências de danças são bem coreografadas e bonitas…, além de outros aspectos técnicos bem interessantes, como os cenários bem montados e criativos. O maior problema, ironicamente falando, são as próprias músicas do filme, que são chatas e esquecíveis. Provavelmente, quem já viu o longa depois de muitos anos, nunca se lembrará destas músicas fracas e descartáveis.
 
Créditos de abertura: “Era uma vez, na Dinamarca vivia um grande contador de histórias chamado Hans Christian Andersen. Esta não é a história de sua vida, mas um conto de fadas sobre este grande spinner de contos de fadas”. Originalmente planejado pelo produtor Samuel Goldwyn (1879-1974) para ter sequências de animação supervisionadas por Walt Disney (1901-1966).

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Charles Vidor
ROTEIRO: Moss Hart (screenplay), Myles Connolly (based on a story by)
GÊNERO: Biografia, Família, Musical
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 52min
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ELENCO PRINCIPAL:
Danny Kaye … Hans Christian Andersen
Farley Granger … Niels
Zizi Jeanmaire … Doro
Joseph Walsh … Peter
Philip Tonge … Otto
Erik Bruhn … The Hussar – Danced by
Roland Petit … The Prince in ‘The Little Mermaid’ Ballet
John Brown … Schoolmaster
John Qualen … Burgomaster
Jeanne Lafayette … Celine


NÃO QUERO DIZER-TE ADEUS  (I Want You, 1951 – USA)
Data de Lançamento: 22 de dezembro de 1951

SINOPSE: 1950. Em uma pequena cidade do Connecticut, a chegada de uma nova guerra, agora na distante Coreia, altera a vida de vários de seus habitantes.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Mark Robson
ROTEIRO: Irwin Shaw (screen play), Edward Newhouse (based on stories: in The New Yorker)
GÊNERO: Drama
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 42min
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ELENCO PRINCIPAL:
Dana Andrews … Martin Greer
Dorothy McGuire … Nancy Greer
Farley Granger … Jack Greer
Peggy Dow … Carrie Turner
Robert Keith … Thomas Greer
Mildred Dunnock … Sarah Greer
Ray Collins … Judge Turner
Martin Milner … George Kress Jr.
Jim Backus … Harvey Landrum
Marjorie Crossland … Mrs. Turner


ALMA EM REVOLTA  (Edge of Doom, 1950 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 2 de agosto de 1950

SINOPSE: Um jovem pobre e alienado (Farley Granger) foi levado a assassinar um padre quando este se recusou a dar à sua falecida mãe um funeral decente. O filme explora a terrível pobreza que impediu que o jovem se casasse ou que propiciasse à sua mãe o conforto suficiente e o levou ao crime. Dana Andrews representa o assistente compassivo do padre assassinado que traz à tona o arrependimento do atormentado assassino.

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SOBRE O FILME: “Edge of Doom” é um noir sombrio que nunca para; Martin Lynn não consegue uma pausa, não de seu chefe, do diretor da funerária ou da igreja. Sua namorada (Mala Powers) a princípio sente que não há lugar para ela em sua vida por causa de sua mãe. Depois que a mãe morre e Paul comete assassinato, ele termina com ela. Seu único apoio é o padre Roth, de quem ele não gosta – ele se ressente da igreja por não enterrar seu pai em solo sagrado quando ele cometeu suicídio e por tirar o dinheiro de sua mãe. Não é sempre em um filme que se vê um padre morto – e com uma cruz ainda.

As atuações são boas, senão ótimas. Farley Granger é simpático como Martin. Ele freqüentemente era escalado para esse tipo de papel. Dana Andrews faz um bom trabalho como o padre, mas é um pouco precioso demais. A maneira de interpretar um padre é a maneira que Spencer Tracy fazia – primeiro como homem. Andrews tenta colocar um ar de sacerdote, mas parece forçado.

Aparentemente, este filme não foi bem recebido no lançamento e foi retirado para adicionar o início, onde Andrews começa a contar a história, e o próprio fim, que volta ao presente com Andrews e o padre. Isso realmente não ajuda o tom implacável e deprimente do filme. Não assista a este se precisar de um sorriso ou de um filme agradável.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Mark Robson
ROTEIRO: Charles Brackett, Philip Yordan, Ben Hecht, Leo Brady (novel)
GÊNERO: Crime, Drama, Filme Noir
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 39min
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ELENCO PRINCIPAL:
Dana Andrews … Father Thomas Roth
Farley Granger … Martin Lynn
Joan Evans … Rita Conroy
Robert Keith … Detect. Lieutenant Mandel
Paul Stewart … Mr. Craig
Mala Powers … Julie
Adele Jergens … Irene
Harold Vermilyea … Father Kirkman
John Ridgely … 1st Detective
Douglas Fowley … 2nd Detective
Mabel Paige … Mrs. Pearson


VIDA DE MINHA VIDA  (Our Very Own, 1950 – USA)
Data de Lançamento: 27 de julho de 1950

SINOPSE: Gail descobre a chocante notícia de que ela é adotada durante uma acalorada discussão com sua irmã, Joan. Com o apoio relutante dos seus pais adotivos Gail vai em busca de sua mãe biológica e verdadeira identidade.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: David Miller
ROTEIRO: F. Hugh Herbert
GÊNERO: Drama, Romance
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 33min
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ELENCO PRINCIPAL:
Ann Blyth … Gail Macaulay
Farley Granger … Chuck
Joan Evans … Joan Macaulay
Jane Wyatt … Lois Macaulay
Ann Dvorak … Gert Lynch
Donald Cook … Fred Macaulay
Natalie Wood … Penny Macaulay
Gus Schilling … Frank
Phyllis Kirk … Zaza
Jessica Grayson … Violet
Martin Milner … Bert
Kipp Hamilton … Gwendolyn
Ray Teal … Jim Lynch


MEU MAIOR AMOR (My Foolish Heart, 1949 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 25 de dezembro de 1949

SINOPSE: Depois de um longo período de ausência, Mary Jane decide visitar sua grande amiga dos tempos de escola, Eloise, que vive com a filha Ramona. Mary descobre que Eloise é alcoólatra e enfrenta enormes problemas com o marido, Lew Wengler. Durante o encontro surgem várias revelações. Eloise confessa à amiga que seu verdeiro amor sempre foi Walt Dreiser, quando se conheceram no início da Segunda Guerra. E, ainda que isso possa trazer lembranças desagradáveis, também são colocados à mesa os motivos que levaram Mary Jane a romper as relações com Eloise, e como Lew se casou com ela, e não com Mary Jane.https://archive.org/embed/assista-clicando-aqui_20211014

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SOBRE O FILME: Melodrama indicado a 2 categorias no Oscar: melhor atriz, Susan Hayward (1917-1975) e melhor canção original. O roteiro é baseado no conto “Uncle Wiggily in Connecticut” (“Tio Wigilly em Connecticut”, no Brasil), o único trabalho do escritor J. D. Salinger (1919-2010) adaptado para o cinema. Segundo fãs do escritor, ele teria odiado o que viu nas telas e, por isso, jamais teria autorizado a filmagem de quaisquer outras de suas obras. Um bom drama romântico, apesar do ritmo ser um pouco parado, cujo roteiro extremamente sentimental procura explorar.

Partindo de um roteiro razoavelmente bom, com algumas reviravoltas, Robson consegue imprimir um bom ritmo à trama, no que é ajudado pela belíssima trilha sonora de Victor Young, onde se destaca a canção-título, “My foolish heart”, bem como, pela magnífica atuação de Susan Hayward.  No elenco, merecem ainda ser destacadas as interpretações de Robert Keith e Lois Wheeler.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Mark Robson
ROTEIRO: Julius J. Epstein and Philip G. Epstein (screen play), J.D. Salinger (story “Uncle Wiggily in Connecticut”)
GÊNERO: Drama, Romance
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 38min
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ELENCO PRINCIPAL:
Dana Andrews … Walt Dreiser
Susan Hayward … Eloise Winters
Kent Smith … Lew Wengler
Lois Wheeler … Mary Jane
Jessie Royce Landis … Martha Winters
Robert Keith … Henry Winters
Gigi Perreau … Ramona
Karin Booth … Miriam Ball


ROSEANNA  (Roseanna McCoy, 1949 – USA)
Data de Lançamento: 12 de outubro de 1949

SINOPSE: A saga da rivalidade entre Hatfield e McCoy é romantizada em Roseanna McCoy, de Samuel Goldwyn. A recém-chegada Joan Evans estrela como personagem-título, cuja fuga com Johnse Hatfield serve para alimentar ainda mais as chamas da rivalidade mortal nas montanhas.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Irving Reis, Nicholas Ray (uncredited)
ROTEIRO: John Collier, Alberta Hannum (novel), Ben Hecht (uncredited)
GÊNERO: Drama, Romance
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 29min
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ELENCO PRINCIPAL:
Farley Granger … Johnse Hatfield
Joan Evans … Roseanna McCoy
Charles Bickford … Devil Anse Hatfield
Raymond Massey … Old Randall McCoy
Richard Basehart … Mounts Hatfield
Gigi Perreau … Allifair McCoy
Aline MacMahon … Sarie McCoy
Marshall Thompson … Tolbert McCoy
Lloyd Gough … Phamer McCoy
Peter Miles … Little Randall McCoy


ENCANTAMENTO  (Enchantment, 1948 – USA)
Data de Lançamento: 25 de dezembro de 1948

SINOPSE: Tio Rollo finalmente se retira para a casa em que foi criado. Perdido nas lembranças de seu antigo amor, Lark, ele não quer ser incomodado em seus últimos dias. No entanto, o surgimento de sua sobrinha e o envolvimento dela com o sobrinho de Lark, o leva a reavaliar sua vida e oferecer alguns conselhos para que o jovem casal não cometa os mesmos erros que ele, anos atrás, cometeu.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Irving Reis
ROTEIRO: John Patrick (screenplay), Rumer Godden (from a novel by)
GÊNERO: Drama, Romance
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 40min
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ELENCO PRINCIPAL:
David Niven … General Sir Roland Dane
Teresa Wright … Lark Ingoldsby
Evelyn Keyes … Grizel Dane
Farley Granger … Pilot Officer Pax Masterson
Jayne Meadows … Selina Dane
Leo G. Carroll … Proutie
Philip Friend … Pelham Dane
Shepperd Strudwick … Marchese Del Laudi
Henry Stephenson … General Fitzgerald
Colin Keith-Johnston … The Eye


A CANÇÃO PROMETIDA (A Song Is Born, 1948 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 19 de outubro de 1948

SINOPSE: Professor e pesquisador de música (Danny Kaye) sai em boates e casas de música da cidade depois de perceber que ficou muito tempo afastado do que estava acontecendo na música contemporânea. Conhece uma cantora em uma boate (Virginia Mayo), apresenta-se em seu camarim, mas logo é deixado de escanteio pela moça. Acontece que ela passa a ser perseguida por um grupo de gângsteres e o seu grupo, entre eles o seu namorado, acha por bem aceitar a ideia de ela ficar na casa desse músico, que vive com mais seis amigos mais velhos, enquanto a poeira assenta. Ela não fala nada sobre quem é realmente e, aos poucos, o sensível, tímido e ingênuo professor começa a se apaixonar por ela.

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SOBRE O FILME: É raro eu não gostar de um filme de Howard Hawks, um dos meus cineastas favoritos. Por isso, quando digo que não gosto de OS HOMENS PREFEREM AS LOURAS (1953) muita gente fica admirada. Enquanto não o rever, continuarei achando o filme vulgar. A CANÇÃO PROMETIDA (1948) é outro desses filmes menores do diretor, mas que aos poucos foi me ganhando até chegar ao bonito, ainda que ingênuo, final. Que combina com o personagem do estudioso de música que se apaixona por cantora de boate ligada com gângsteres da pesada.

A história é praticamente a mesma à do superior BOLA DE FOGO (1941), mas tem um diferencial: a música. Que, aliás, foi outra coisa que não me agradou a princípio, pois achava que aquilo que aqueles músicos pensavam que sabiam sobre a música do mundo – e que pretendiam incluir numa enciclopédia – era numa visão bem estereotipada.

Até mesmo a visão simplificada como eles tentam resumir a história da música negra nos Estados Unidos me pareceu fraca. Outra coisa: entre tantos cantores de jazz e blues e outras correntes da música negra daquele período, por que justamente trouxeram uma cantora branca para ser a cantora de blues (é blues mesmo o que ela canta?) e ser o interesse amoroso do protagonista?

Falando assim, até parece que eu quero dar uma de Spike Lee, mas ficou essa impressão de que os negros ficaram como meros coadjuvantes, apesar de serem vitais na construção da música americana. Inclusive, numa cena em que um dos trabalhadores negros toca umas notas no piano, o que ouvimos ali é uma espécie de proto-rock’n’roll. Mas temos que ver o ano em que foi produzido o filme: se até os anos 60, os negros eram colocados sempre em posição subalterna, imagine naquela época.

Como se trata de uma comédia (com alguns momentos musicais) mais ou menos convencional, é de se esperar que haja um final feliz. E felizmente Hawks faz com que o final saísse divertido e bonito, ainda que fique no ar aquela sensação de que acabamos de ver um Hawks bem abaixo da média. Na entrevista para Bogdanovich, tanto o entrevistador quanto ele acharam o filme fraco. Hawks chegou a dizer que nunca o viu montado e só o fez por causa do valor exorbitante que o produtor Samuel Goldwyn lhe ofereceu. Para ver como às vezes dinheiro só estraga as coisas.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Howard Hawks
ROTEIRO: Billy Wilder, Thomas Monroe (based on the story “From A to Z” by), Harry Tugend (adaptation)
GÊNERO: Comédia, Musical
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 53min
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ELENCO PRINCIPAL:
Danny Kaye … Professor Hobart Frisbee
Virginia Mayo … Honey Swanson
Benny Goodman … Professor Magenbruch
Tommy Dorsey … Tommy Dorsey
Louis Armstrong … Louis Armstrong
Lionel Hampton … Lionel Hampton
Charlie Barnet … Charlie Barnet
Mel Powell … Mel Powell
Ford Washington Lee … Buck
ohn W. Bubbles … Bubbles


UM ANJO CAIU DO CÉU (The Bishop’s Wife, 1947 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 9 de dezembro de 1947

SINOPSE: O bispo episcopal Henry Brougham (David Niven) tem por meses trabalhado nos planos para uma nova catedral, que será paga por uma caprichosa e teimosa viúva, Agnes Hamilton (Gladys Cooper). Henry se distanciou de sua família, pois se tornou um religioso em primeiro lugar. Dudley (Cary Grant), um anjo, é enviado pelo céu para ajudá-lo. Dudley ajuda a todos que encontra, mas não do jeito que eles preferem. Todos amam Dudley exceto Henry, que se sente ameaçado pois sua mulher, Julia (Loretta Young), está sempre na companhia dele e se mostra cada vez mais feliz. Além disto a filha do casal, Debby (Karolyn Grimes), também adora Dudley e Henry acha que Dudley pode querer tomar seu lugar.

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SOBRE O FILME: Mais um clássico natalino querido pelos americanos que ganha uma boa edição em DVD no Brasil pela Classicline. Rodado em 1947, ganhou o Oscar de melhor som, indicado ainda aos de melhor filme, diretor, edição e trilha sonora. Cary Grant, Loretta Young e David Niven estavam no auge da carreira (Loretta inclusive ganharia o Oscar de atriz no ano seguinte, por “Ambiciosa”) quando toparam participar desse filme estilo “Family”, misturando fantasia e romance, apropriado para todos os públicos e perfeito para ver nesse período que antecede o clima de Natal.

A história é sobre um anjo bondoso que vem para a Terra ajudar um bispo na construção de uma sonhada catedral. Porém o religioso, que abandonou a família para só viver do trabalho, vê o anjo se aproximar da esposa e da filha de uma maneira como ele nunca fez. Então disputará a atenção com elas, abrindo um embate com aquela figura celeste. O filme traz uma moral no desfecho (logicamente), que faz relação com empatia, revisão do passado, ou seja, tudo aquilo que se espera que as pessoas façam no Natal pensando no ano que termina (comportamentos esses que devem ser mantidos nos 365 dias, por toda a vida!). Baseado no romance de Robert Nathan (de “O retrato de Jennie”), inspirou um remake agradável com atores negros na década de 90, “Um anjo em minha vida” (1996), com Denzel Washington e Whitney Houston, indicado ao Oscar de trilha sonora. Uma curiosidade de bastidores: inicialmente os papéis masculinos seriam invertidos, ou seja, David Niven interpretaria o anjo, e Cary Grant, o bispo, ideia do diretor, William A. Seiter; este deixou o projeto, assumindo a direção o alemão radicado nos EUA Henry Koster (diretor dos memoráveis “Meu amigo Harvey” e “O manto sagrado”), que trocou os atores e seus personagens. Veja e se emocione!

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Henry Koster
ROTEIRO: Robert E. Sherwood, Leonardo Bercovici (screenplay), Robert Nathan( novel)
GÊNERO: Comédia, Drama, Fantasia
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 49min
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ELENCO PRINCIPAL:
Cary Grant … Dudley
Loretta Young … Julia Brougham
David Niven … Henry Brougham
Monty Woolley … Professor Wutheridge
James Gleason … Sylvester
Gladys Cooper … Mrs. Hamilton
Elsa Lanchester … Matilda
Sara Haden … Mildred Cassaway
Karolyn Grimes … Debby Brougham
Tito Vuolo … Maggenti


O HOMEM DE 8 VIDAS (The Secret Life of Walter Mitty, 1947 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 1 de setembro de 1947

SINOPSE: Greater Perth Amboy é uma pequena cidade próxima a Nova York, onde Walter Mitty (Danny Kaye) vive com sua mãe (Fay Bainter), que é um pouco dominadora. Ele trabalha em Nova York como revisor na Editora Pierce, que publica revistas, sendo que sua mãe quer fazer com que ele se case com a bela Gertrude Griswold (Ann Rutherford). Walter normalmente devaneia nas histórias que são publicadas na editora, sendo que nestas “viagens” ele se coloca em um mundo irreal no qual é heróico, equilibrado, seguro e dono do seu destino. Ao longo das aventuras imaginárias uma linda mulher misteriosa sempre aparece. Walter se surpreende quando a mulher dos seus sonhos surge na pessoa de Rosalind van Hoorn (Virginia Mayo), que está sendo perseguida por ladrões de jóias que querem achar jóias bem valiosas, que sumiram da Holanda durante a 2ª Guerra Mundial.

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SOBRE O FILME: Comédia romântica de fantasia vagamente baseada no conto do mesmo nome de James Thurber (1894-1961). O filme é estrelado pelo careteiro Danny Kaye (1911-1987) como um revisor sonhador (depois editor associado) de uma editora de revistas e Virginia Mayo (1920-2005) como a garota de seus sonhos. Sogni mostruosamente proibiti (82) e A vida secreta de Walter Mitty (13).

O autor James Thurber ofereceu ao produtor Samuel Goldwyn uma grande quantia para não fazer o filme. Ele próprio reconheceu que o personagem Walter Mitty foi baseado em seu amigo, o escritor Robert Benchley. Thurber disse que ele teve a idéia para Mitty do personagem criado por Benchley em uma série de curtas que ele fez para a Fox e MGM, respectivamente, nos anos 20 e 30. Thurber também está no registro dizendo que ele odiava esse filme e que a interpretação de Danny Kaye de Mitty não era nada como ele pretendia que o personagem fosse. O filme tem alguns momentos engraçados e até surreais, mais é difícil aguentar o festival de caretas que o canastrão Danny Kaye realiza durante o filme. Só pra quem for muito fã do ator é que vai conseguir digerir a estória.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: Norman Z. McLeod
ROTEIRO: Ken Englund, Everett Freeman (screen play), James Thurber (from a story by)
GÊNERO: Comédia, Fantasia, Romance
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 1h 50min
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ELENCO PRINCIPAL:
Danny Kaye … Walter Mitty
Virginia Mayo … Rosalind van Hoorn
Boris Karloff … Dr. Hugo Hollingshead
Fay Bainter … Mrs. Eunice Mitty
Ann Rutherford … Gertrude Griswold
Thurston Hall … Bruce Pierce
Gordon Jones … Tubby Wadsworth
Florence Bates … Mrs. Irma Griswold
Konstantin Shayne … Peter van Hoorn
Reginald Denny … Colonel


OS MELHORES ANOS DE NOSSA VIDA (The Best Years of Our Lives, 1946 – USA)
(Filme Completo / Legendado em Português)
Data de Lançamento: 1 de setembro de 1947

SINOPSE: O ex-sargento Al Stephenson (Fredric March), o ex-piloto Fred Derry (Dana Andrews) e o marinheiro Homer Parrish (Harold Russel) retornam para casa após combater na Segunda Guerra Mundial. Dispostos a recomeçar a vida, os três veteranos vão ter de conciliar os traumas de guerra e vencer o difícil período de readaptação com suas famílias e antigos empregos.

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SOBRE O FILME: “The Best Years of Our Lives” faz parte da tomada de consciência social do cinema norte-americano pós-Segunda Guerra de focar nos veteranos que retornavam quase sem nenhum incentivo de reingresso à sociedade. Uma tendência que, é curioso notar, se repete sempre que o EUA encerra a sua participação em algum grande conflito, seja o Vietnã, o Golfo, ou o Iraque. A impressão que dá é que mesmo após décadas, o governo norte-americano ainda custa em aprender e modificar seu comportamento, exigindo que bons cidadãos arrisquem suas vidas pelo seu país, mas sem garantir a devida contrapartida.

Mas, divago. Este longa dirigido por William Wyler (um cineasta que, sem dúvida, merecia também um pouco mais de destaque) e fotografado brilhantemente por Greg Tolland (particularmente o meu fotógrafo favorito da Era Clássica de Hollywood – e é difícil definir até que ponto a perfeição estética desse longa se deve a um ou a outro), acompanha três personagens que voltam do front de batalha, cada um tendo que lidar com seus demônios internos. Um deles precisa confrontar seus pesadelos noturnos e a falta de amparo econômico, um outro mergulha no alcoolismo para tentar apagar da memória os acontecimentos, e o terceiro – sem dúvida o de destino mais trágico – precisa lidar com a insegurança de ter retornado para casa com alguns membros do corpo amputados.

Este terceiro (interpretado por um excelente Harold Russell), acaba se mostrando a grande surpresa do filme. Não possuindo nenhum pudor em expor o seu corpo por uma causa mais importante, o ator merecia um reconhecimento muito maior do que de fato teve (pois ter ganhado o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante foi, de fato, muito pouco). Não que a atuação dele seja fenomenal, não é, mas a sua coragem enquanto Ser Humano e a forma fantástica com que o ator parecia lidar com isso é magnífica. No mais, Dana Andrews e Fredric March também estão muito competentes em seus determinados papéis, ainda que também não ofereçam nada excepcional. “Os Melhores Anos de Nossas Vidas” é um filme mais de roteiro e direção, do que de atuações.

O roteiro, aliás, tem algumas sacadas sutis muito interessantes. É bacana perceber como o filme trata a Guerra quase como se tivesse sido de fato um mundo à parte com suas próprias regras e contradições em relação ao mundo real. Um mundo em que um oficial militar de uma patente superior pode, na verdade, se revelar muito mais abaixo que outro na hierarquia das ‘castas econômicas e sociais’ do mundo real. A já citada indiferença, e até mesmo um certo despeito na recepção dos veteranos é pontuada constantemente (desde o desconforto de um atendente que acha que com o retorno dos soldados pessoas seriam demitidas, até a hipocrisia cínica e já esperada de banqueiros almofadinhas). Mesmo o já esperado patriotismo desse tipo de obra não chega a incomodar. Além de Wyler dosar esse patriotismo de forma bem equilibrada, é difícil condenar um filme desses por ufanismo quando nos lembramos que do outro lado havia o Adolf Hitler.

Nem mesmo o romance que se forma a certa altura do filme me atrapalha, acho que ele cumpre bem o papel de criar mais estofo ao drama de um determinado personagem que, sem isso, teria seu arco meio engessado no decorrer da história (além de Teresa Wright – que já havia feito o fantástico “A Sombra de Uma Dúvida”, do Hitchcock – ser uma gracinha). No geral, apesar das longas três horas de duração, sinto que todas elas foram bem aproveitadas. Um exercício eficiente e equilibrado de gênero que não beira o piegas, e sabe tocar nas feridas certas, nos pontos certos, e nos momentos certos.

FICHA TÉCNICA:
DIREÇÃO: William Wyler
ROTEIRO: Robert E. Sherwood (screen play), MacKinlay Kantor (from a novel by)
GÊNERO: Drama, Romance, Guerra
ORIGEM: USA
DURAÇÃO: 2h 50min
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ELENCO PRINCIPAL:
Myrna Loy … Milly Stephenson
Fredric March … Al Stephenson
Dana Andrews … Fred Derry
Teresa Wright … Peggy Stephenson
Virginia Mayo … Marie Derry
Cathy O’Donnell … Wilma Cameron
Hoagy Carmichael … Butch Engle
Harold Russell … Homer Parrish
Gladys George … Hortense Derry
Roman Bohnen … Pat Derry


Fontes de Pesquisa/Textos: Samuel Goldwyn Presents/Alvin H. Marill, IMDb, Filmow, 75 Anos de Cinema.

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